Febrero se está mostrando especialmente lluvioso en Madrid, y la agenda expositiva del mes se convierte en una buena aliada para refugiarse bajo techo sin renunciar a planes culturales. Museos y centros de arte proponen exposiciones que van de la fotografía al arte urbano, del dibujo contemporáneo al archivo, con nombres clave del siglo XX y proyectos que dialogan directamente con el presente.

Entre videoinstalaciones, revisiones históricas y propuestas inmersivas, esta selección reúne algunas de las exposiciones más interesantes que pueden verse en la ciudad durante febrero. Un recorrido variado y accesible para aprovechar los días de lluvia y ponerse al día con la programación cultural madrileña.

Por aquí te dejamos los destacados del mes:

1.«Once Again… (Statues Never Die)» (2022). Videoinstalación de Isaac Julien.

El Museo Lázaro Galdiano presenta por primera vez en España Once Again… (Statues Never Die), una videoinstalación de Isaac Julien realizada en 2022 que transforma la sala Pórtico en un espacio de reflexión sobre memoria, colonialismo y museos. La obra, perteneciente a la Fundación Calparsoro, podrá visitarse del 10 de febrero al 29 de marzo.

Comisariada por Bartomeu Marí, la pieza se despliega en dos pantallas y aborda los debates en torno a la restitución de obras de arte africanas expoliadas durante el colonialismo europeo, al tiempo que reivindica la influencia decisiva del arte africano en las vanguardias del siglo XX. Del Harlem Renaissance a la cultura queer negra, Julien reconstruye una genealogía cultural invisibilizada por los relatos oficiales.

La narración imagina un diálogo entre el filósofo Alain Locke, figura clave del Harlem Renaissance, y el coleccionista Albert C. Barnes, interpretados por André Holland (Moonlight) y Danny Huston (Succession), para cuestionar quién escribe la historia del arte y cómo se han construido las grandes colecciones occidentales. La exposición se completa con un programa paralelo en el Cine Doré de la Filmoteca Española, con proyecciones y una conversación pública con el artista el 7 de marzo.

2. El Prado multiplicado. La fotografía como memoria compartida.

El Museo Nacional del Prado reivindica la fotografía como una herramienta fundamental en la difusión y construcción de su memoria visual con El Prado multiplicado: la fotografía como memoria compartida. La exposición reúne 44 obras que recorren el papel de esta disciplina desde el siglo XIX hasta comienzos del XX.

Integrada en el programa Almacén abierto y comisariada por Beatriz Sánchez Torija, la muestra pone en valor una colección de más de 10.000 fotografías que documentan tanto las obras del museo como sus espacios y modos de exhibición. Copias a la albúmina, al carbón o a la gelatina, junto a formatos como las cartes de visite, tarjetas estereoscópicas o postales, muestran cómo la imagen fotográfica permitió multiplicar y popularizar el Prado.

El recorrido revela un museo en transformación: salas hoy desaparecidas, obras fotografiadas al aire libre y una institución que, gracias a fotógrafos como Laurent o Lacoste, proyectó su imagen mucho antes de la era digital. Una muestra breve y precisa que invita a mirar el Prado desde otra perspectiva.

3. Ana Juan. Wunderkammer.

Wunderkammer no es un gabinete de curiosidades al uso ni una retrospectiva al uso. Es el concepto expositivo desde el que Ana Juan construye, por primera vez en CentroCentro, un espacio de pensamiento y proceso creativo que expande su trayectoria más allá de la ilustración y reafirma su lugar como referente del dibujo contemporáneo.

Durante el último año, la artista ha tejido un universo propio habitado por seres y figuras imaginarias que se relacionan, se transforman y conviven en un ecosistema tan poético como inquietante. Como en Las metamorfosis de Ovidio, cada obra contiene una historia que se enlaza con otras, invitando al visitante a generar sus propias conexiones y relatos dentro de un mundo en permanente mutación.

El dibujo sigue siendo el eje central del proyecto —el lenguaje con el que Ana Juan dialoga con la realidad—, presentado tanto en su forma más clásica sobre papel como en derivas hacia la escultura y la animación. El resultado es una exposición sugerente y perturbadora a partes iguales, que invita a mirar despacio y a perderse en un imaginario tan bello como incómodo.

4. Arte urbano. De los orígenes a Banksy.

La Fundación Canal traza un recorrido por la historia del arte urbano desde sus inicios en las calles de Filadelfia y Nueva York hasta su consolidación como uno de los lenguajes visuales más influyentes del arte contemporáneo. Arte urbano. De los orígenes a Banksy reúne más de sesenta obras originales que muestran cómo el graffiti pasó de ser un gesto de autoafirmación a un fenómeno global.

La exposición presenta trabajos de figuras clave como Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, SEEN, Blek le Rat, JR, Invader, Os Gêmeos o Banksy, junto a artistas españoles como SUSO33, EL XUPET NEGRE o PichiAvo. El recorrido se organiza en cinco etapas que reflejan la evolución de estilos, técnicas y discursos, desde las primeras firmas hasta la sofisticación actual del arte urbano.

Como cierre, un apartado monográfico dedicado a Banksy pone el foco en el artista más mediático del género y en su capacidad para llevar el arte urbano del muro a la conversación global. Una exposición directa y muy visual que conecta calle, museo y cultura popular.

5. Arte textil en Guatemala: diseño e identidad.

El Centro Cultural Fernán Gómez se transforma en febrero en un espacio inmersivo dedicado al arte textil guatemalteco, una de las expresiones más ricas y vivas del diseño contemporáneo. Arte textil en Guatemala: diseño e identidad, presentada en el marco del Madrid Design Festival 2026, invita a descubrir cómo técnica ancestral, creatividad colectiva e innovación formal conviven en estos tejidos.

Comisariada por Emiliano Valdés, la exposición se articula a partir de una estructura suspendida de piezas textiles que evoca la vitalidad de los mercados tradicionales. Huipiles procedentes de distintas regiones del país despliegan una extraordinaria diversidad cromática, técnica y simbólica, elaborados con procesos como el telar de cintura, el brocado o el bordado, y acompañados por recursos audiovisuales y sonoros que refuerzan su dimensión comunitaria.

Más allá de lo artesanal, la muestra plantea el textil como un auténtico sistema de diseño, explorando color, composición y técnica como motores de identidad cultural y experimentación contemporánea. Un recorrido envolvente que conecta tradición, memoria y presente creativo.

6. Eclosión. El Círculo de Bellas Artes en los 80 y 90.

A partir de 1983, el Círculo de Bellas Artes vivió una transformación clave que lo convirtió en uno de los espacios culturales más vibrantes del Madrid de los ochenta y noventa. La exposición revisa ese momento de reinvención en el que la institución se abrió al público y apostó por una programación multidisciplinar, experimental y conectada con los debates de su tiempo.

Por sus salas pasaron figuras como Susan Sontag, Jean Baudrillard o Massimo Cacciari, junto a artistas, arquitectos y cineastas que situaron al Círculo en el centro del mapa cultural internacional. Comisariada por Oliva María Rubio, la muestra recorre este periodo a través de obras y materiales de archivo que revelan cómo el Círculo se convirtió en un auténtico laboratorio de ideas y creatividad en la España democrática.

7. Helen Levitt.

Helen Levitt (1913-2009) convirtió las calles de Nueva York en su gran escenario desde finales de los años treinta, fijando su mirada en los barrios populares y, especialmente, en los juegos y gestos espontáneos de los niños. Sus fotografías, tomadas en lugares como el Harlem hispano o el Lower East Side, transforman lo cotidiano en escenas cargadas de humor, misterio y emoción, estableciendo una conexión inmediata con el espectador.

Reconocida muy pronto por instituciones como el MoMA, donde expuso en 1943, Levitt fue una figura clave de la fotografía social del siglo XX y una de las primeras mujeres en abrirse camino en el medio. La muestra recorre su trabajo en blanco y negro, su posterior interés por el cine documental y su obra pionera en fotografía en color, desarrollada a partir de los años cincuenta.

Comisariada por Joshua Chuang, esta exposición —la primera realizada a partir de la totalidad de su obra y archivos— permite redescubrir a una autora fundamental que supo capturar la vida en la calle con una sensibilidad única y profundamente humana.

8. Hotel del artefacto expoliado.

En el marco del programa especial por el 150º aniversario del Museo Nacional de Antropología, Agnes Essonti presenta un proyecto que reflexiona sobre la restitución de artefactos expoliados y el papel que ocupan hoy los museos etnológicos. Su investigación se centra en piezas que, antes de ser musealizadas, tuvieron funciones mágicas, espirituales y comunitarias, y que aún conservan una carga simbólica que va más allá del objeto.

La artista plantea el museo como un espacio de tránsito, casi como un alojamiento temporal para objetos que un día abandonaron su lugar de origen. ¿Es el museo su nuevo hogar? ¿Qué significa conservar, exhibir o incluso “hacer inmortal” algo que pertenece a una memoria viva? A través de imágenes y objetos —algunos procedentes de la colección del museo y otros creados por la propia artista— Essonti propone nuevas formas de comunicación que no pasan por la palabra.

Una exposición sugerente y poética que invita a repensar la relación entre patrimonio, identidad afrodescendiente y memoria colectiva, y que encaja plenamente en la celebración de los 150 años de una institución en constante revisión.

9. Rauschenberg: Express. En movimiento.

Con motivo del centenario del nacimiento de Robert Rauschenberg (1925–2008), el Museo Thyssen presenta una instalación especial en torno a Express (1963), una de las obras clave del artista y pieza fundamental de la Colección Thyssen-Bornemisza. La propuesta, realizada con el apoyo de la Robert Rauschenberg Foundation, invita a mirar de nuevo una obra decisiva en la historia del arte del siglo XX.

Comisariada por Marta Ruiz del Árbol, la instalación revisa las múltiples capas de Express: mezcla de imágenes y símbolos, el impulso experimental de Rauschenberg y su voluntad de borrar las fronteras entre disciplinas, colaborando con la danza, la performance, las artes visuales o la ciencia. La muestra subraya también la importancia de esta obra en su consagración internacional tras recibir el Gran Premio de Pintura en la Bienal de Venecia de 1964.

Enmarcada en un programa internacional de celebraciones, la exposición nos permite redescubrir a un creador radicalmente contemporáneo, cuya idea del arte como motor de transformación personal y social sigue resonando con fuerza hoy.